Marit Allen

Allens Karriere in der Mode begann 1961, als sie eine Stelle als Auszubildende bei Queen Magazine annahm. Schnell wurde sie Redakteurin und Autorin der jungen Mode-Rubrik 'About 20' des Magazins, die sie nutzte, um junge Design-Talente und innovative Fotografie zu präsentieren. 1964, als die Chefredakteurin von Queen, Beatrix Miller, zur Chefredakteurin von British Vogue wurde, nahm sie Allen mit. Für Vogue gründete Allen die Seiten 'Young Idea', die weiterhin aufstrebende innovative junge Designer wie John Bates und Foale and Tuffin förderten. Allens Layouts waren ebenfalls originell, darunter eine Doppelseite basierend auf dem Batman-Comicstrip im Juni 1966. Gelegentlich modelte sie für ihre eigenen Artikel und trug die Designs, die sie vorstellte. Zu ihrer Hochzeit 1966 mit dem Filmproduzenten Sandy Lieberson trug Allen ein ultramodernes Minikleid und einen Mantel mit silbernem Vinylbesatz, entworfen von John Bates. Allen blieb bis 1973 bei Vogue. Sie half auch, 1973 das Bachelor-Studienprogramm für Journalismus am Central St. Martin's Art College zu etablieren. Allen starb am 26. November 2007 in Sydney, Australien, im Alter von 66 Jahren an einem Hirnaneurysma.

Hardy Amies

Hardy Amies baute sich einen Ruf für die Kreation stilvoller, zeitloser Kleidung auf, die eine lange Liste berühmter Kunden anzog. Seine Marke wurde weit über London hinaus bekannt und bewundert, und er erhielt im Laufe seiner Karriere mehrere Modepreise.

Mit dem Wandel der Modetrends passte Amies seine Designs an, um mit der Zeit Schritt zu halten. Er erweiterte auch sein Angebot um Prêt-à-porter-Kollektionen und erkundete neue Geschäftsmöglichkeiten. Trotz dieser Veränderungen blieb er während seiner gesamten Karriere für die Herstellung eleganter, hochwertiger Kleidung mit außergewöhnlicher Handwerkskunst bekannt. Sehen Sie unsere glamourösen Abendkleider-Designs.

Einen Schub für die Bekanntheit des Unternehmens gab es 1950, als Prinzessin Elizabeth, die zwei Jahre später Königin Elizabeth II. wurde, eine kleine Bestellung für ihre Kanadatour aufgab.

So begann eine 50-jährige Zusammenarbeit mit der Königin, die seinen weltweiten Ruf steigerte. „Königin Elizabeth verkörpert all das, was ich an der Einstellung der englischen frauen zur Kleidung am meisten bewundere“, schrieb er 1954. 1955 erhielt er ein königliches Mandat als einer ihrer offiziellen Schneider.

Giorgio Armani

Der Designer, dessen charakteristischer Stil von entspanntem, aber luxuriösem Ready-to-Wear und eleganter, kunstvoll bestickter Abendkleidung dazu beitrug, Leichtigkeit und moderne Schlichtheit in die Mode des späten 20. Jahrhunderts einzuführen. Sein androgynes Konzept enttäuschte selten Modekritiker, die jede Saison bei den Shows in seinem Palazzo aus dem 17. Jahrhundert in der Via Borgonuovo im Zentrum von Mailand erschienen. Armanis Ruf wuchs durch den populären Film American Gigolo (1980), in dem Schauspieler Richard Gere als charmanter Besitzer eines Kleiderschranks voller maßgeschneiderter Armani-Kleidung zu sehen war. Sehen Sie unsere große Auswahl an Herren-Designs.

Laura Ashley

Die britische Designerin, bekannt für ihre traditionellen, viktorianischen Drucke auf Naturstoffen, die sie zur Herstellung von Haushaltsausstattungen, Bettwäsche und frauenkleidung verwendete. Bernard Ashley kümmerte sich um die technischen und finanziellen Aspekte des Geschäfts, während Laura die Designs schuf, die für ihr florales, verspieltes und mit Spitze bedecktes Aussehen bekannt sind und an traditionelle englische Landmanieren und Lebensweisen erinnern. Durchstöbern Sie unsere Kleiderdesigns der 1970er Jahre.

Pierre Balmain

Französischer Couturier, der 1945 ein Modehaus gründete, das seinen Namen zum Synonym für Eleganz machte. Zu seinen Kunden gehörten die Herzogin von Windsor, die Königin von Belgien und viele der führenden Filmstars der 1950er Jahre. Balmains Designs zeichneten sich durch hervorragende Qualität aus, besonders bei Abendkleidung, die Männlichkeit und Weiblichkeit mit einer imposanten Eleganz verband. Sehen Sie unser meistverkauftes Anzugsdesign.

Cristóbal Balenciaga

Spanischer Modedesigner, der elegante Ballkleider und andere klassische Designs schuf. Seine Kollektionen zeichneten sich durch prachtvoll elegante Kleider und Anzüge aus. Balenciaga trug dazu bei, den Trend zu Umhängen und fließenden Kleidungsstücken ohne Taillenlinien Ende der 1950er Jahre sowie die Verwendung von Plastik für Regenbekleidung Mitte der 1960er Jahre zu popularisieren. 

Geoffrey Beene 

Geoffrey Beene war ein unglaublich talentierter Designer, aber er war auch voller Widersprüche. Fast 40 Jahre lang, beginnend in den 1960er Jahren, gehörte er zu den größten Namen der amerikanischen Mode, doch er passte nie ganz in das Modeestablishment. Seine Designs waren raffiniert, elegant und sorgfältig konstruiert, aber sie ließen sich auch von der Popkultur inspirieren. Er entwarf glitzernde, mit Federn bedeckte Bühnenoutfits für die Supremes, und in einem seiner kühnsten Schritte schickte er 1967 Models in bodenlangen, mit Pailletten besetzten Kleidern, die von Football-Trikots inspiriert waren und mit Spielernummern versehen waren, über den Laufsteg. Es war eine eindrucksvolle Art zu zeigen, dass amerikanische Sportswear in die Welt der High Fashion gehört.

Zu Hause wirkte Beene charmant und höflich, mit klassischem südlichen Auftreten, konnte aber auch sehr eigenwillig und stur sein. Er hatte einen berühmten Streit mit John Fairchild, dem Herausgeber der Women's Wear Daily, nachdem die Zeitung eine Vereinbarung gebrochen und eine Skizze des von Beene entworfenen Brautkleides für Lynda Bird Johnson veröffentlicht hatte, bevor es enthüllt werden sollte. Der Streit schadete seiner Karriere, aber Beene war nicht daran interessiert, zurückzuweichen. Er bevorzugte es, wenn man ihn „Mr. Beene“ nannte, war aber nicht elitär. Tatsächlich lud er in den späten 1980er Jahren regelmäßig jeden Monat die Mitarbeiter des jungen Downtown-Magazins Paper zum Abendessen ein. Siehe unsere Sammlung von Mini-Kleid-Designs der 1960er Jahre.

Mr. Blackwell  

Mr. Blackwell (geboren als Richard Selzer) war ein einflussreicher amerikanischer Modedesigner, der von den 1960er bis in die 1980er Jahre aktiv war und für seine dramatische, theatralische Damenabendmode und Red-Carpet-Kleider bekannt war. Er entwarf glamouröse, figurbetonte Kleidung für Hollywood-Eliten und durchbrach berühmt Barrieren, indem er inklusive Plus-Size-Kollektionen einführte.

Mr. Blackwell ist heute vor allem für seine bissigen und ironischen Modekommentare bekannt, berühmt geworden durch seine jährliche Liste der „schlechtesten gekleideten“ Frauen-Prominenten. Er war ein 'Influencer', bevor das Internet Social-Media-Influencing möglich machte.

Bill Blass  

Amerikanischer Designer, der half, die entspannte, reduzierte Eleganz zu definieren, die die amerikanische Mode im späten 20. Jahrhundert prägen sollte. Er fertigte Sportswear an, aber er glamourisierte das Konzept, indem er Kleidung schuf, die eine neue amerikanische lässige Chic-Sensibilität besaß, die er durch die Verschmelzung einfacher Stile mit luxuriösen Materialien erreichte. Klassische Blass-Designs umfassten einen Pea Coat aus weißem Nerz, den er 1966 entwarf, ein trägerloses graues Flanell-Tagkleid, das er mit einem Kaschmirpullover kombinierte, der über die Schultern gebunden war, und ein einfaches, aber scharf geschnittenes Kleid, das er mit femininen Rüschen (seinem Markenzeichen) verwandelte.

Manolo Blahnik

Spanischer Modedesigner, am besten bekannt für seine charakteristische Linie von hochwertigen Frauen-Schuhen. Blahnik begann mit dem Entwerfen von Schuhen für Zapata, und 1972 entwarf er für den britischen Designer Ossie Clark seine erste Kollektion, die innovative Designs wie den „Cherry Shoe“ enthielt – einen Stöckelschuh mit Nachahmungskirschen, die an grünen Riemen baumelten, die um den Knöchel gebunden wurden. Die Kollektion wurde von einigen der Topmodels der Ära, darunter Twiggy, mit großem Lob präsentiert und erregte die Aufmerksamkeit der Modeelite.

Thom Browne  

Amerikanischer Designer, bekannt für seine Neukonzeption des klassischen männeranzugs. Er wurde weithin anerkannt für seine frauenmode, nachdem die US-First Lady Michelle Obama bei der Amtseinführung 2013 eines seiner Designs trug. Sein Markenzeichen wurden makellos geschnittene Anzüge aus traditioneller marineblauer Wolle und grauem Flanell mit verkürzten Proportionen. Seine Entwürfe schockierten zunächst die Modewelt, führten aber bald den Trend zu schlank geschnittener männerbekleidung an.

Sarah Burton

Burton erlangte internationale Aufmerksamkeit, als im April 2011 bekannt wurde, dass sie die Designerin des Hochzeitskleides von Catherine Middleton für ihre Hochzeit mit Prinz William von Wales war. Das langärmelige Kleid bestand aus elfenbeinfarbenem und weißem Satin-Gazar und hatte einen V-förmigen Ausschnitt, eine taillierte Taille, einen fast 9 Fuß (2,7 Meter) langen Zug und ein viktorianisches Korsett-ähnliches Oberteil – ein Markenzeichen von McQueen.

Bonnie Cashin 

Bonnie Cashin war eine der einflussreichsten amerikanischen Modedesignerinnen und spielte eine große Rolle bei der Gestaltung der modernen frauenmode. Geboren in Fresno, Kalifornien, lernte sie das Kleidermachen von ihrer Mutter und begann bereits in der High School mit dem Entwerfen von Kostümen. Nach ihrem Umzug nach New York im Jahr 1933 baute sie schnell eine erfolgreiche Karriere auf und wurde 1937 Chefdesignerin bei Adler & Adler.

1942 zog sie nach Hollywood und entwarf Kostüme für über 60 Filme für 20th Century Fox. Als sie 1949 nach New York zurückkehrte, brachte sie ihre eigene Bekleidungs- und Accessoire-Linie auf den Markt. Ihr Ziel war es, stilvolle, aber praktische Kleidung zu schaffen, die zum geschäftigen Leben moderner frauen passte. Sie entwarf alles von Mänteln und Regenbekleidung bis hin zu Strickwaren und Unterwäsche.

Eine ihrer wichtigsten Aufgaben begann 1953, als sie Chefdesignerin bei Sills & Company wurde. Dort trug sie dazu bei, Lederbekleidung modisch zu machen, und wurde bekannt dafür, verschiedene Stoffe und Texturen auf kreative Weise zu mischen. Oft ließ sie sich von Alltagsgegenständen inspirieren und führte einzigartige Details wie Knebelverschlüsse, Haken, Bänder und Druckknöpfe anstelle traditioneller Knöpfe und Reißverschlüsse ein. Sie war auch eine der ersten Designerinnen, die das Schichten von Kleidung förderte und legte Wert darauf, ihre Entwürfe bequem und benutzerfreundlich zu gestalten.

1962 begann Cashin, Handtaschen für Coach zu entwerfen. Sie half dabei, den unverwechselbaren Stil der Marke mit farbenfrohen Ledertaschen, passenden Accessoires und auffälligen Beschlägen zu prägen. Sie blieb bis 1974 bei Coach.

Während ihrer langen Karriere arbeitete Cashin mit vielen Modefirmen zusammen und gründete sogar ihr eigenes Strickwarenunternehmen namens The Knittery. Sie entwarf weiter, bis sie 1985 in den Ruhestand ging. Ihr Talent und ihre Innovation brachten ihr fünf Coty Awards und 1972 einen Platz in der Coty Hall of Fame ein. Heute wird sie dafür in Erinnerung behalten, Mode zu schaffen, die stilvoll, praktisch und für das echte Leben entworfen war.

Oleg Cassini 

Oleg Cassinis Modekarriere erstreckte sich über mehr als sechs Jahrzehnte und verwandelte ihn vom Hollywood-Studio-Designer zum Architekten des „Camelot-Looks“ und Pionier des modernen Mode-Lizenzwesens. Seine Arbeit definierte die Ästhetik der amerikanischen Prominenz und veränderte dauerhaft, wie Designer ihre Marken monetarisieren. Während der Hollywood-Ära der 1940er und 1950er Jahre begann Cassini seine amerikanische Karriere im Film, indem er Verträge mit Paramount Pictures und 20th Century Fox abschloss, wo er verführerische, anspruchsvolle Garderoben für große Stars wie Rita Hayworth, Marilyn Monroe und Grace Kelly entwarf. Seine Filmdesigns konzentrierten sich auf scharfe Schnitte und sinnliche Silhouetten, die die Leinwandpersönlichkeit eines Stars betonten, anstatt von ihr abzulenken.

Seine Karriere erreichte ihren historischen Höhepunkt während der Camelot-Jahre, als Jacqueline Kennedy Cassini 1961 zu ihrer exklusiven „Secretary of Style“ ernannte. Er entwarf über 300 Outfits für die First Lady, wobei er geometrische Linien, übergroße Knöpfe, A-Linien-Röcke und kastige Jacken verwendete. Diese Zusammenarbeit verlagerte das Zentrum der Modewelt von Paris nach Washington D.C. und schuf eine minimalistische, jugendliche Eleganz, die von Millionen frauen weltweit kopiert wurde. Zu seinen ikonischsten Stücken gehörten der Schweizer Mandarin-Kragenmantel, den sie zur Amtseinführung 1961 trug, und ihre berühmten geometrischen Etuikleider.

Als sein Einfluss in den 1960er, 1970er und 1980er Jahren wuchs, wurde Cassini zu einer bedeutenden Kraft in der Männerbekleidung und einem echten Pionier des modernen Markenlizenzwesens. Er popularisierte die kragenlose Nehru-Jacke in der westlichen Männerbekleidung Ende der 1960er Jahre und machte sie zu einem kurzen kulturellen Phänomen. Außerdem trieb er die „Pfauenrevolution“ voran, indem er die Monotonie traditioneller Business-Männerbekleidung durchbrach und tiefe Farben, breite Revers und kräftige Texturen in Hemden und Anzüge für männer einführte. In Anerkennung der Macht des Massenmarkt-Brandings brachte Cassini seinen Namen an Hunderten von Produkten an, von Parfums und Sonnenbrillen bis hin zu Gepäck und sogar Autoinnenräumen wie der AMC Matador Cassini Edition – ein Geschäftsmodell, das den Weg für moderne Designer-Lifestyle-Marken ebnete.

Hussein Chalayan

Er ist am besten dafür bekannt, intellektuelle Konzepte und künstlerische Elemente in seine Designs und Shows einzubringen. Häufig zeigte er körpereinschränkende Designs – wie sein Kokon-Kleid, eine ärmellose Kreation, die die Arme der Trägerin an den Körperseiten fixierte, aber Schlitze für die Bewegungsfreiheit der Hände bot.

Coco Chanel

Ihre elegant-lässigen Designs inspirierten frauen der Modewelt dazu, die komplizierte, unbequeme Kleidung – wie Unterröcke und Korsetts –, die im 19. Jahrhundert vorherrschend war, abzulegen. Zu ihren heute klassischen Innovationen gehören der Chanel-Anzug, die gesteppte Handtasche, Modeschmuck und das „kleine Schwarze“. Ein von Chanel beeinflusstes Anzugdesign ist hier zu sehen.

Liz Claiborne 

Raymond Clark

André Courrèges

Courrèges erwarb sich in der Pariser Modeszene der 1960er Jahre einen Ruf für futuristische, jugendorientierte Stile. Seine Kollektion zeigte proportionierte, gut geschnittene Hosen, streng konstruierte Kleidung mit glatten „Trapez“-Linien und kurze Röcke, ergänzt durch weiße Stiefel bis zur Mitte der Wade und große, dunkle Brillen als Accessoires. Weiß wurde zu seinem Markenzeichen.

Oscar de la Renta 

Vereinte europäischen Luxus mit amerikanischer Lässigkeit und half dabei, Standards für elegantes Auftreten unter Socialites, US-First Ladies und Prominenten auf dem roten Teppich während einer Karriere von etwa 50 Jahren zu definieren. Er erregte erstmals Ende der 1960er und Anfang der 70er Jahre Aufmerksamkeit mit seinen von Zigeunern und Russland inspirierten Kollektionen, die die kosmopolitische Raffinesse andeuteten, die seine kreative Arbeit in den folgenden Jahrzehnten prägen sollte. Diese Kollektionen waren stets deutlich modern, besaßen aber auch eine romantische, feminine Qualität, die seine Verwurzelung sowohl in der amerikanischen Sportswear als auch in der europäischen Couture widerspiegelte.

Hubert de Givenchy

Ist bekannt für seine Couture- und Prêt-à-porter-Designs, insbesondere jene, die er für die Schauspielerin Audrey Hepburn entwarf. Givenchys erste Kollektion, die makellos detaillierte Einzelteile, hochmodische Mäntel und elegante Ballkleider enthielt, erlangte sofort internationale Anerkennung. Seine Designs verwendeten fantasievolle Accessoires, Seidendrucke und bestickte Stoffe. Seine „Bettina-Bluse“, benannt nach einem beliebten Model, führte maßgeschneiderte Hemden in die High Fashion zurück.

Christian Dior

Dior führte den revolutionären New Look ein, der internationale Kontroversen wegen seines radikal gesenkten Saums auslöste. Der Look zeichnete sich durch schmale Schultern, eine taillierte Taille und einen voluminösen Rock aus – eine drastische Veränderung gegenüber dem Look des Zweiten Weltkriegs mit gepolsterten Schultern und kurzen Röcken.

1947 führte Dior, unterstützt vom französischen Unternehmer Marcel Boussac, den revolutionären New Look ein, der internationale Kontroversen wegen seines radikal gesenkten Saums auslöste. Der Look zeichnete sich durch schmale Schultern, eine taillierte Taille und einen voluminösen Rock aus – eine drastische Veränderung gegenüber dem Look des Zweiten Weltkriegs mit gepolsterten Schultern und kurzen Röcken.

Auch 1947 erweiterte Dior seine Marke. Er eröffnete ein luxuriöses Prêt-à-porter-Modehaus in New York. Er wagte neue Unternehmungen und produzierte Dior Parfum. Das erste Parfum hieß Miss Dior zu Ehren seiner Schwester Catherine. Wie bei allen erfolgreichen Marken lizenzierte Dior bald seinen Namen für eine Reihe von Luxusaccessoires: Krawatten, Pelze, Strümpfe und Handtaschen. In der wettbewerbsintensiven Welt der Haute Couture hätte dies als Verringerung der Exklusivität der Marke angesehen werden können, doch es hatte den Effekt, Diors Namen schnell weltweit zu verbreiten.

Der über Nacht zum Erfolg gewordene New Look wurde von zehn Jahren herausragendem Erfolg gefolgt. In den 1950er Jahren führte Dior verschiedene neue Silhouetten ein, darunter die H-Linie, die A-Linie und die Y-Linie. Dior spielte eine entscheidende Rolle bei der weltweiten Kommerzialisierung der Pariser Mode und beim Wiedererlangen des für Pariser Couturiers verlorenen Terrains gegenüber amerikanischen Designern. 

Für weitere Informationen

Fiamma di San Giuliano Ferragamo

Gianfranco Ferré

Mariano Fortuny

Der Modedesigner, der vor allem für seine Kleidungs- und Textildesigns bekannt ist. Fortunys Kleiderdesigns, viele davon inspiriert von antiken griechischen Gewändern wie Tunika und Peplos, wurden bei Wohlhabenden äußerst beliebt. Die von ihm entworfenen Seidenkleider zeichneten sich besonders durch ihre subtile Färbung und die Bewegungsfreiheit aus, die sie ermöglichten. Einige dieser Kleider waren einfach gearbeitet, während andere ähnlichen Designs hunderte winziger Falten von Hals bis Fuß aufwiesen. Fortuny ließ sich für seine zahlreichen Textildesigns aus Baumwolle und Samt von verschiedenen internationalen Quellen inspirieren; sie zeichnen sich durch reiche, sinnliche Farbgebung aus.

John Galliano

bekannt für seine Prêt-à-porter- und Haute-Couture-Kollektionen für Modehäuser wie Christian Dior, Givenchy und Maison Margiela. Galliano präsentierte seine erste Couture-Kollektion mit prächtigen, voluminösen Ballkleidern, Kleidern mit Schleifen und taillierten Anzügen, und wurde 1995 zum dritten Mal und zum zweiten Mal in Folge zum British Designer of the Year gekürt.

Jean Paul Gaultier

Gaultier feierte Androgynie, verband Streetstyles mit Haute Couture und stellte scheinbar widersprüchliche kulturelle Symbole gegenüber. Während seiner Karriere strebte er nicht nur danach, soziale Kategorien neu zu definieren, sondern auch die Rolle der Mode hervorzuheben, die sowohl zur Unterscheidung als auch zur Verschleierung dieser Kategorien beitrug. Gaultier war besonders für seine Stilkonstanz bekannt. Anfangs bevorzugte er dunkle Farben, insbesondere Rot, Braun, Marineblau, Tiefviolett und Schwarz; später erhellte er seine Palette durch die Zugabe von Lachs, Bronze, Beige und Türkis. Typische Bestandteile seiner Kollektionen waren breit schulterige Jacken, strukturierte oder gemusterte Strümpfe, Trenchcoats aller Art, weite Hosen, fließende Röcke und die horizontal gestreiften Matrosenhemden, die zum Markenzeichen seines Stils wurden.

Rudi Gernreich 

Der in Österreich geborene amerikanische Avantgarde-Modedesigner der 1960er Jahre. Gernreich interessierte sich dafür, nicht einschränkende und zeitgenössische Kleidung für Frauen zu entwickeln. Seine innovativen Designs sollten eine Alternative zu den konservativen Stilen der damals dominierenden Pariser Modehäuser sein. 1964 entwarf er einen topless Badeanzug („Monokini“), der ihm weltweite Bekanntheit einbrachte. Der Unisex-Look, unsichtbare Unterwäsche, transparente Oberteile, Miniröcke, gestrickte Tank-Anzüge und bunt gefärbte Strümpfe waren seine Markenzeichen.

Nicolas Ghesquière

Ghesquière erweiterte die Anzahl der Balenciaga-Kollektionen und setzte die Produktion innovativer Designs mit großem Beifall fort, wie kurze Gladiator-Röcke und Toga-Kleider, kniehohe Gladiator-Sandalen, taillierte Cropped-Tops, hoch taillierte Hosen, Kleider mit Flamenco-Rüschen und eine Kollektion, die von einigen der ursprünglichen Designs Balenciagas inspiriert war. Er erhielt Lob für die Kollektion, in der er reiche Stoffe wie Krokodil, gebürstete Shetlandwolle und bedrucktes Moleskin für seine kurzen A-Linien-Röcke, kastige Jacken, hoch taillierte Hosen und Cropped-Pullover verwendete. Seine charakteristische Silhouette war eine leichte A-Linie, inspiriert von Designs aus den 1970er und frühen 80er Jahren.

Frida Giannini

Giannini begann 1997 bei dem größeren Unternehmen Fendi zu arbeiten, wo sie schnell zur Designerin für Lederwaren aufstieg. Sie war verantwortlich für Fendis Baguette, eine opulente Handtasche, die eine profitable Accessoire-Euphorie auslöste. 2002 wurde sie als Leiterin des Handtaschendesigns bei Gucci eingestellt. Bei Gucci übernahm Giannini mehr Verantwortung, war von 2004 an Kreativdirektorin für Accessoires und von 2005 bis zu ihrer Ernennung zur Kreativdirektorin des gesamten Unternehmens 2006 für Damen-Ready-to-Wear und Accessoires zuständig.

Rogan Gregory 

Gregory ist bekannt für seine umwelt- und sozialbewussten Bekleidungslinien. Am bekanntesten ist er vielleicht als Kreativdirektor (2005–07) von Edun. Anschließend produzierte er eigenständig ein namensgebendes, scharf geschnittenes Denim-Label, das 2001 auf den Markt kam und sehr erfolgreich war, sowie eine Sweatshirt-Kollektion, die von den Modemarken Juicy Couture und American Apparel aus Los Angeles hergestellt wurde.

Riitta Narhi Immonen

Marc Jacobs 

Der in den USA geborene Designer ist bekannt für seine sartorialen Interpretationen von Trends in der Popkultur, vielleicht am bekanntesten für seine „Grunge“-Kollektion, der zugeschrieben wird, den Grunge-Look der 1990er Jahre eingeführt zu haben. Inspiriert von der aufkommenden Grunge-Musikszene, zeigte die Kollektion unorthodoxe Kombinationen – wie geblümte mädchenhafte Kleider kombiniert mit Kampfstiefeln – um einen zerzausten und individualistischen Look zu erzielen. Die Designs wurden von schlanken Models präsentiert, darunter Kate Moss – das Gegenteil der damals angesagten glamourösen und kurvigen Models. Jacobs wurde von Women’s Wear Daily als „Guru des Grunge“ bezeichnet und 1992 zum CFDA Women’s Wear Designer of the Year ernannt, hauptsächlich wegen der monumentalen Kollektion, die den Grunge-Look der 1990er Jahre einläutete.

Donna Karan 

Ist international anerkannt für die Schlichtheit und den Komfort ihrer Kleidung. Nachdem die Bridge-Linie DKNY 1988 debütierte, diversifizierte Karans Unternehmen und verkaufte neben Accessoires, Strumpfwaren und Parfums auch Blue Jeans, Herrenmode und eine Kinderlinie. Karan erhielt begeisterte Kritiken für ihre Mix-and-Match-Kleidung aus weichen Stoffen und neutralen Farben. Besonders bekannt war sie für ihre charakteristischen Bodysuits, dunklen Strumpfhosen, Sarong-Wickelröcke, taillierte Jacken und schwere Schmuckstücke.

Rei Kawakubo

Die autodidaktische japanische Modedesignerin, bekannt für ihre avantgardistischen Kleidungsdesigns und ihr High-Fashion-Label Comme des Garçons (CDG), gegründet 1969. Kawakubos ikonoklastische Vision machte sie zu einer der einflussreichsten Designerinnen des späten 20. Jahrhunderts. Ihre Kleidung war für die unabhängige Frau gedacht, die sich nicht kleidete, um zu verführen oder die Zustimmung eines Mannes zu gewinnen. Kawakubo wandte sich von westlichen Definitionen von Sexiness ab, die darauf abzielten, den Körper zu enthüllen und freizulegen. Sie fand enthüllende Kleidung entschieden unsexy und langweilig.

Calvin Klein 

Der amerikanische Modedesigner, bekannt für seine Damenmode, Herrenmode, Jeans, Kosmetik und Parfums, Bett- und Badwäsche sowie andere Kollektionen. Er beschrieb seine Designphilosophie als die Herstellung von „einfacher, bequemer, aber stilvoller Kleidung – jedoch ohne Übermaß oder Extreme.“ Seine Kleidung war relativ teuer, klassisch, elegant und leicht zu tragen und fand bei Käufern in den USA und anderen Ländern großen Anklang. Seine Erfolge galten nicht nur als Triumph seines besonderen klassischen Stils, sondern auch als Reifeprozess der amerikanischen Modeindustrie.

Ralph Lauren 

Amerikanischer Modedesigner, der durch die Entwicklung seiner Marke rund um das Bild eines elitären amerikanischen Lebensstils eines der erfolgreichsten Modeimperien der Welt aufbaute. Von Anfang an waren Laurens Kreationen durch einen wohlhabenden Stil geprägt, der den Look der englischen Aristokratie widerspiegelte, wie er von der sportlichen amerikanischen Ostküstenelite adaptiert wurde. Seine erste Herrenkollektion 1968 zeigte klassische Tweed-Anzüge, und seine erste Damenkollektion 1971 setzte seine Erkundungen klassischer Schneiderei und guten Geschmacks fort, jedoch mit einer femininen Note. 1972 präsentierte Lauren sein späteres Markenzeichen: das Mesh-Sporthemd, erhältlich in verschiedenen Farben und mit seinem Markenzeichen, dem Emblem des aristokratischsten aller Athleten, dem Polospieler.

Helmut Lang

Ted Lapidus

Christian Louboutin

Französische Modedesignerin, die vor allem für ihre hochwertigen Schuhe bekannt war, die an ihren brillanten roten Sohlen erkennbar waren.

Stella McCartney

Britische Modedesignerin, bekannt vor allem für ihre pelzfreie und lederfreie Kleidung sowie für ihre prominente Kundschaft. Ihre erste Kollektion mit Spitzen-Unterröcken und zarten Camisoles verstummte die Kritiker, und ihre romantischen Pariser Kollektionen von 2001 – Seidenhosen kombiniert mit bauchfreien Oberteilen, figurbetonte Jeans mit Tunika-Oberteilen oder Jacken sowie Kunstpelzmäntel und mit Schmuck verzierte Westen – festigten ihren professionellen Ruf.

Alexander McQueen

Britischer Designer, bekannt für seine bahnbrechende Kleidung, schockierende Modenschauen und präzise Schneiderei. Seine kühnen Designs erregten Aufmerksamkeit durch ihre düster-romantischen Qualitäten und gewalttätigen, grotesken Elemente. Die Kollektionen zeigten schlanke, kantige Anzüge; taillierte Kleider, die mit engen Korsetts geformt wurden; lange Kleider mit Komponenten wie Perlenstickerei, frischen Blumen und Hirschgeweihen; und später klobige 10-Zoll-Absätze namens „Alien“ und „Armadillo“. 

Issey Miyake

Japanischer Modedesigner, bekannt für die Kombination östlicher und westlicher Elemente in seiner Arbeit. Er hatte auch eine beliebte Duftlinie, zu der L’Eau d’Issey gehörte. Miyake entwickelte 1993 die Linie Pleats Please, die „uneingeschränkte Körperbewegung ermöglicht und gleichzeitig die Form des Stoffes bewahrt“, sowie A-POC („A Piece of Cloth“), das aus einem einzigen Faden mit Hilfe einer industriellen Strick- oder Webmaschine hergestellt wurde, die von einem Computer programmiert wurde. Miyake hatte bereits mehr als zehn Jahre zuvor mit dem Textil-Experten Dai Fujiwara an A-POC experimentiert, bevor er es 1999 kommerziell einführte. Da A-POC ein Ensemble-Stück sein sollte, weigerte er sich, seinen Namen auf dieser Kollektion zu platzieren. Er verkaufte es einfach als langen Jersey-Schlauch, und es lag am Kunden, ihn zu schneiden und zu formen.

Phoebe Philo

Ihre Innovationen umfassten hoch taillierte Jeans, Baby-Doll-Kleider, Holzkeilschuhe und die mit Vorhängeschloss gesicherte Paddington-Tasche. Beeinflusst von den Minimalisten der 1990er Jahre wie Helmut Lang und Jil Sander, übernahm Philo diese Philosophie sowohl für ihren persönlichen Stil als auch für ihre Modemarke. Sie verzichtete auf Make-up und trug einfache Kleidung, oft eine charakteristische Bikerjacke und Hosen.

Stefano Pilati

In Pilatis erster Frühling/Sommer-Kollektion 2005 führte er die neue Richtung der Mode mit seinem eleganten, gerafften YSL-Minidress, Wildleder-Loafern mit gestapeltem Absatz und oberschenkellangen Glockenröcken im „Tulip Bubble“-Stil an. Weitere charakteristische Stücke waren seine glockenförmigen Jacken, die Muse-Handtasche (2005) und die Muse Two Tasche (2008). Pilati schaffte es, die klassischen, schlanken YSL-Designs beizubehalten und gleichzeitig die Marke in eine modernere Richtung zu führen.

Zac Posen 

Amerikanischer Modedesigner, bekannt für seine glamourösen Abendkleider und Cocktailkleider. Er erlangte Anerkennung bereits als Student, als 2000 das Supermodel Naomi Campbell eines seiner Designs anforderte. Im folgenden Jahr wurde eines seiner Kleider – vollständig aus dünnen Lederstreifen gefertigt, die durch Haken- und Ösenverschlüsse zusammengehalten wurden – für die Ausstellung „Curvaceous“ (2001–02) im Victoria and Albert Museum in London ausgewählt.

Paul Poiret

Poiret war besonders bekannt für seine neoklassizistischen und orientalischen Stile, für die Befürwortung des Ersatzes des Korsetts durch den Büstenhalter und für die Einführung des Hobble-Rocks, eines vertikal eng anliegenden Rockes, der frauen zu kleinen Schritten zwang. „Ich habe den Busen befreit“, prahlte Poiret, „und ich habe die Beine gefesselt.“

Miuccia Prada

Sie ist bekannt dafür, minimalistische Designs zu nutzen, um einen traditionellen Stil mit modernem Einfluss zu erreichen. Eine ihrer frühesten Ideen war die Herstellung einer Linie von unlabeled Handtaschen aus einem damals unorthodoxen Stoff namens Pocono-Nylon – dem strapazierfähigen, wasserabweisenden Stoff, der oft für Militärzelte verwendet wird. Die Linie, die 1979 auf den Markt kam, war jedoch nicht sofort erfolgreich.

Im folgenden Jahr debütierte sie mit großer Anerkennung ihre erste Ready-to-wear-Kollektion, die Parkas aus Nylon enthielt, die den Kunden Haltbarkeit boten, ohne auf Stil zu verzichten. Pradas progressive Ideale spiegelten sich oft in ihren Designs wider, die einen zurückhaltenden Glamour und eine raffinierte Eleganz vermittelten, die im starken Gegensatz zur offensichtlichen Sex-Appeal vieler Wettbewerber der Marke standen, was zu einer Neubewertung von Weiblichkeit führte und das Branchenmotto „Sex sells“ infrage stellte. Klare, einfache Linien und gedämpfte, basic Farben wurden mit luxuriösen Stoffen und exquisiter Schneiderei kombiniert, um einen geschmackvollen Look zu erzielen, der die Figur schmeichelte und gleichzeitig Zurückhaltung bewahrte. Am Ende eines Jahrzehnts des Überflusses setzte sich Pradas Idee von lässigem Luxus durch, und die Marke wurde schnell mit selbstbewussten, intellektuellen und wohlhabenden berufstätigen frauen assoziiert.

Emilio Pucci

Er wurde vor allem bekannt für enge, aus Shantung gefertigte „Pucci“-Hosen und, zu seinen am häufigsten kopierten Kreationen, lebhaft bedruckte Seidenjersey-Kleider und Blusen. Pucci entwarf Unterwäsche, Strickwaren, Bademode und Accessoires. Er stellte auch Keramik und Parfüm her und wagte sich in die Herrenmode.

Mary Quant

Englische Modedesignerin für jugendorientierte Mode, verantwortlich in den 1960er Jahren für den „Chelsea-Look“ Englands und die weit verbreitete Popularität des Minrocks und der „Hot Pants“. Quants Designs spiegelten eine Verschiebung in der Mode wider, bei der die Jugend statt der etablierten Gesellschaft zur Inspirationsquelle wurde. Ihre bekanntesten Modestücke der 1960er Jahre erinnerten an die Outfits, die kleine Mädchen zum Tanzunterricht trugen – kurze Faltenröcke, weiße Knöchelsocken und schwarze Lackschuhe mit Knöchelriemen. Anfang der 1970er Jahre stellte Quant die Produktion ein, entwarf aber weiterhin Kleidung, Pelze, Unterwäsche, Haushaltswäsche und Brillengestelle.

Klicken Sie auf diesen fabelhaften Link: Die Modegeschichte von Dame Mary Quant

Yves Saint Laurent

Der französische Modedesigner, bekannt für die Popularisierung von frauenhosen für alle Anlässe. Nach dem „kleines Mädchen“-Look und der A-Linien-Silhouette führte er anspruchsvollere, längere Röcke ein und verkürzte 1959 die Röcke drastisch. 1960 stellte er den schicken Beatnik-Look mit Rollkragenpullovern und schwarzen Lederjacken mit Pelzbesatz vor.

Jil Sander

Elsa Schiaparelli

Sie war berühmt für ihre surrealistischen Modestücke der 1930er Jahre und für ihre witzigen Accessoires, wie eine Handtasche in Form eines Telefons. Ihre Designs zeichneten sich durch die Kombination von Exzentrik mit Schlichtheit und einer gepflegten Eleganz mit auffälliger Farbe aus. 1947 war Schiaparellis neue Farbe „shocking pink“ die Sensation der Modewelt.

Mila Schön

Raf Simons

Dieses Jahr erwies sich als bedeutend für den Designer, da das deutsche Label Jil Sander, bekannt für zurückhaltende Designs für sowohl männer als auch frauen, ihn trotz seiner fehlenden Erfahrung in der Damenbekleidung als Kreativdirektor verpflichtete, um Sander zu ersetzen. Seine erste Kollektion für Jil Sander zeigte Respekt für die minimalistische Ästhetik des Labels kombiniert mit seiner eigenen subtilen Eleganz.

Pauline Trigère 

Obwohl ihre Designs im Allgemeinen konservativ waren, war Trigère eine Pionierin bei der Verwendung von Baumwoll- und Wollstoffen für Abendkleider und erfand Neuheiten wie den wendbaren Mantel, den beweglichen Kragen, die Spiraljacke und den ärmellosen Mantel.

Gloria Vanderbilt 

Amerikanische Gesellschaftsdame, Künstlerin, Autorin, Schauspielerin und Designerin von Textilien und Mode, die oft wegen ihres gesellschaftlichen Lebens und ihrer beruflichen Leistungen im Rampenlicht stand. Vanderbilt war auch bekannt für ihre Designer-Jeanslinie, die besonders in den späten 1970er Jahren beliebt war.

John Weitz 

1945, nach drei Jahren beim Militär, begann Weitz für seinen Vater bei The Weitz Corporation zu arbeiten. Er war in der Damenunterwäscheabteilung tätig.

1947 gründete Weitz mit Hilfe der Eltern seiner Frau, die die Kaufhäuser Blauner's besaßen, das Unternehmen John Weitz Juniors, Inc. in New York City, wo er Kleider und Damen Sportswear herstellte. Das Unternehmen war bis 1953 tätig. 1954 gründete Weitz John Weitz Designs Inc. In dieser Zeit fand Weitz eine frühe Mentorin in Dorothy Shaver von Lord & Taylor.

1964 wechselte Weitz von Damenbekleidung zu Herrenbekleidung, wobei er sich auf klassische Stile sowie die praktische Nutzung und Haltbarkeit der Kleidung konzentrierte.

Als beliebter Herrenkleidungsdesigner war Weitz Ende der 1960er Jahre einer der ersten, der seine Namensmarke lizenzierte; er nutzte auch sein eigenes Bild, um seine Marke zu bewerben. Seine Firma hieß John Weitz Designs, Inc. Er führte eine breite, vielfältige Produktlinie und war oft in Werbungen zu sehen, die einen glamourösen Lebensstil darstellten. Eines der erfolgreichen und bekannten Herrenkleidungsstücke von Weitz, das beliebt war, waren Socken. John Fairchild, Herausgeber von Women's Wear Daily, sagte, dass Weitz durch erfolgreiche Lizenzierung und Werbung seines Namens auf Produkten zu einem bekannten Namen wurde.

Vivienne Westwood

Ist bekannt für ihre provokative Kleidung. Mit ihrem Partner Malcolm McLaren erweiterte sie den Einfluss der Punk-Musikbewegung der 1970er Jahre auf die Mode. Westwood entwarf Kleidungsstücke basierend auf seinen provokativen Ideen. Ihre maßgeschneiderten T-Shirts, die zerrissen und mit schockierenden anti-etablierten Slogans und Grafiken versehen waren, sowie ihre Bondage-Hosen – schwarze Hosen mit Riemen, inspiriert von sadomasochistischen Kostümen – verkauften sich schnell im Londoner Laden, den das Paar 1971 übernahm. Ihre Boutique – unter verschiedenen Namen wie Too Fast to Live, Too Young to Die; Sex; und schließlich Seditionaries – war ein Mekka der Jugendmode.

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Charles Frederick Worth

War ein Pionier unter den Modedesignern und einer der Gründer der Pariser Haute Couture. Er war Vorreiter darin, Kleider zu entwerfen, die in französischen Werkstätten kopiert und weltweit verteilt wurden. Besonders bekannt ist er für die Gestaltung prächtiger Krinolin-Kleider, die die Eleganz der Epoche widerspiegelten, und für die Popularisierung des Polsters, das in den 1870er und 1880er Jahren zum Standard in der Frauenmode wurde. Seine Stücke waren von so hervorragender Qualität, dass sie bei Sammlern und Museen sehr begehrt waren und dies bis ins frühe 21. Jahrhundert blieben.

Jason Wu

Taiwanesisch geborener Modedesigner, bekannt für seine anspruchsvollen und gut gefertigten Kreationen. Wu gründete sein eigenes gleichnamiges Label, das eine Designästhetik widerspiegelte, die er als feminin beschrieb. Manhattaner Gesellschaftsdamen, darunter die Vogue-Redakteurin Marina Rust und die Geschäftsfrau Ivanka Trump, waren frühe Fans seiner eleganten Prêt-à-porter-Linie. 2009 erregte Wu internationale Aufmerksamkeit, als die US-First Lady Michelle Obama eines seiner Designs zu den Bällen anlässlich der Amtseinführung ihres Mannes, Präsident Barack Obama, trug. Laut Wu steckten 100 Stunden Arbeit in dem aufwändigen Kleid, einer bodenlangen weißen Seidenchiffon-Säule mit handgefertigten Organza-Blumen und Swarovski-Kristallen.

Referenz: Encyclopaedia Britannica

https://en.wikipedia.org/wiki/John_Weitz