Marit Allen

A carreira de Allen na moda começou em 1961, quando aceitou um emprego como estagiária na Queen Magazine. Rapidamente tornou-se editora e redatora da secção de moda jovem «About 20» da revista, que utilizava para apresentar jovens talentos do design e fotografia inovadora. Em 1964, quando a editora da Queen, Beatrix Miller, foi editar a British Vogue, levou Allen consigo. Para a Vogue, Allen criou as páginas «Young Idea», que continuaram a promover jovens designers inovadores e promissores, como John Bates e Foale and Tuffin. Os trabalhos gráficos de Allen também eram originais, incluindo uma composição baseada na banda desenhada Batman em junho de 1966. Ocasionalmente, era modelo nos seus próprios artigos e usava os designs que apresentava. No seu casamento de 1966 com o produtor cinematográfico Sandy Lieberson, Allen usou um minivestido ultramoderno e um casaco com acabamento em vinil prateado, desenhados por John Bates. Allen permaneceu na Vogue até 1973. Também ajudou a criar o curso de licenciatura em jornalismo no Central St. Martin's Art College em 1973. Allen morreu de um aneurisma cerebral em Sydney, na Austrália, a 26 de novembro de 2007, aos 66 anos

Hardy Amies

Um conjunto de lã de Hardy Amies em 1945 - Pode encontrar aqui um muito semelhante, da Anne Adams(um pseudónimo e nome de marca de venda por correspondência) 

Hardy Amies construiu uma reputação por criar roupas elegantes e intemporais, o que lhe trouxe uma longa lista de clientes famosos. A sua marca tornou-se conhecida e admirada muito para além de Londres, e recebeu vários prémios de moda ao longo da sua carreira.

À medida que as tendências da moda mudavam, Amies adaptava os seus designs para acompanhar os tempos. Também se expandiu para coleções de pronto-a-vestir e explorou novas oportunidades de negócio. Mesmo com estas mudanças, manteve a reputação de produzir vestuário elegante e de alta qualidade, com um trabalho artesanal excecional, ao longo da sua carreira. Veja os nossos designs glamorosos de vestidos de noite.

A publicidade da empresa recebeu um impulso em 1950, quando a princesa Isabel, que se tornou a Rainha Isabel II dois anos mais tarde, fez uma pequena encomenda para a sua viagem ao Canadá.

Assim começou uma relação profissional de 50 anos com a rainha, que reforçou a sua reputação mundial. «A Rainha Isabel personifica tudo o que mais admiro na atitude inglesa das mulheres em relação ao vestuário», escreveu em 1954. Em 1955, foi-lhe concedido um Mandato Real como um dos seus costureiros oficiais.

Giorgio Armani

O designer cujo estilo característico de pronto-a-vestir descontraído mas luxuoso e de elegante roupa de noite, minuciosamente bordada com missangas, ajudou a introduzir descontração e uma modernidade depurada no vestuário do final do século XX. A sua abordagem andrógina raramente desiludia os críticos de moda, que compareciam diligentemente, a cada estação, nos desfiles realizados no seu palácio do século XVII, na Via Borgonuovo, no centro de Milão. A reputação de Armani cresceu graças ao popular filme American Gigolo (1980), no qual o ator Richard Gere interpretava o elegante proprietário de um guarda-roupa repleto de roupa Armani feita à medida. Veja a nossa vasta gama de designs para homens.

Laura Ashley

A designer britânica conhecida pelos seus estampados tradicionais, de estilo vitoriano, em tecidos naturais, que utilizava para criar artigos de decoração, roupa de cama e vestuário para mulheres. Bernard Ashley tratava dos aspetos técnicos e financeiros do negócio, enquanto Laura criava os designs, reconhecidos pelos seus motivos florais, folhos e acabamentos cobertos de renda, evocativos dos costumes e modos tradicionais do campo inglês. Explore os nossos designs de vestidos dos anos 1970.

Pierre Balmain

Costureiro francês que fundou, em 1945, uma casa de moda que tornou o seu nome sinónimo de elegância. Entre os seus clientes encontravam-se a Duquesa de Windsor, a Rainha da Bélgica e muitas das principais estrelas de cinema da década de 1950. Os designs de Balmain caracterizavam-se por uma qualidade excecional, particularmente na roupa de noite, que combinava masculinidade e feminilidade com uma elegância imponente. Veja o nosso design de fato mais vendido.

Cristóbal Balenciaga

Designer de vestidos espanhol que criou vestidos de baile elegantes e outros designs clássicos. As suas coleções apresentavam vestidos e fatos sumptuosamente elegantes. Balenciaga ajudou a popularizar a tendência para capas e peças fluidas sem cintura marcada no final da década de 1950, bem como o uso de plástico para roupa de chuva em meados da década de 1960. 

Geoffrey Beene 

Geoffrey Beene era um um designer incrivelmente talentoso, mas também estava cheio de contradições. Durante quase 40 anos, a partir da década de 1960, foi um dos maiores nomes da moda americana, mas nunca se integrou verdadeiramente no establishment da moda. Os seus designs eram sofisticados, elegantes e cuidadosamente construídos, mas também se inspiravam na cultura popular. Criou trajes de palco brilhantes e cobertos de penas para as Supremes e, num dos seus gestos mais ousados, fez desfilar modelos em 1967 com vestidos de lantejoulas compridos até ao chão, inspirados em camisolas de futebol, completos com números de jogadores. Foi uma forma marcante de afirmar que o sportswear americano tinha lugar no mundo da alta-costura.

Em casa, Beene parecia encantador e educado, com um jeito sulista clássico, mas também podia ser muito exigente e teimoso. Teve um desentendimento famoso com John Fairchild, o editor da Women's Wear Daily, depois de o jornal quebrar um acordo e publicar um esboço do vestido de noiva que Beene desenhara para Lynda Bird Johnson antes de este dever ser revelado. A disputa acabou por prejudicar a sua carreira, mas Beene não estava interessado em recuar. Preferia que as pessoas o tratassem por “Sr. Beene”, mas não era elitista. Na verdade, no final da década de 1980, oferecia regularmente um jantar mensal à equipa da jovem revista do centro da cidade Paper. Veja a nossa coleção de modelos de vestidos mini dos anos 1960.

Sr. Blackwell 

O Sr. Blackwell (nascido Richard Selzer) foi um influente designer de moda americano, ativo entre as décadas de 1960 e 1980 e conhecido pelo seu vestuário feminino de noite dramático e teatral e pelos seus vestidos de gala para passadeiras vermelhas. Criava roupa glamorosa que favorecia a silhueta para as elites de Hollywood e ficou famoso por quebrar barreiras ao introduzir coleções inclusivas de tamanhos grandes.

O Sr. Blackwell é hoje sobretudo recordado pelos seus comentários mordazes e irónicos sobre moda, que se tornaram famosos através da sua lista anual das celebridades mulheres “mais mal vestidas”. Foi um «influenciador» antes de a internet tornar possível a influência nas redes sociais.

Bill Blass 

Designer americano que ajudou a definir a elegância descontraída e depurada que caracterizaria a moda americana no final do século XX. Criava roupa desportiva, mas conferiu glamour ao conceito ao criar peças com uma nova sensibilidade de chique casual americano, alcançada através da combinação de estilos simples com materiais luxuosos. Entre os designs clássicos de Blass encontravam-se um casaco de lã de inspiração naval que confecionou em vison branco em 1966, um vestido de dia cai-cai em flanela cinzenta, que combinou com uma camisola de caxemira atada sobre os ombros, e um vestido simples, mas de corte impecável, que transformou com folhos femininos (o seu estilo de assinatura).

Manolo Blahnik

Designer de moda espanhol, mais conhecido pela sua linha de assinatura de calçado feminino de luxo. Blahnik começou a desenhar sapatos para a Zapata e, em 1972, desenhou a sua primeira coleção para o designer britânico Ossie Clark, com modelos inovadores como o “Cherry Shoe” — um salto agulha com imitações de cerejas penduradas em tiras verdes que se atavam à volta do tornozelo. A coleção foi apresentada, com grande aclamação da crítica, por algumas das principais modelos da época, incluindo Twiggy, e chamou a atenção da elite da moda.

Thom Browne 

Designer americano conhecido pela sua reinterpretação do fato clássico de homens. Ganhou amplo reconhecimento pelo seu vestuário de mulheres depois de a primeira-dama dos EUA, Michelle Obama, ter usado um dos seus modelos na tomada de posse presidencial de 2013. A sua assinatura depressa passou a ser constituída por fatos de corte impecável, em lã azul-marinho tradicional e flanelas cinzentas, com proporções reduzidas. Os seus modelos chocaram inicialmente o mundo da moda, mas depressa passaram a liderar a tendência do vestuário masculino de corte justo.

Sarah Burton

Burton ganhou reconhecimento internacional quando, em abril de 2011, foi revelado que era a designer do vestido de noiva de Catherine Middleton para o seu casamento com o príncipe William de Gales. O vestido de mangas compridas era feito de gazar de cetim marfim e branco e tinha um decote em V, uma cintura justa, uma cauda de quase 9 pés (2,7 metros) e um corpete ao estilo de um espartilho vitoriano — uma característica dos modelos de McQueen.

Bonnie Cashin 

Bonnie Cashin foi uma das mais influentes designers de moda americanas e desempenhou um papel importante na formação da moda feminina moderna. Nascida em Fresno, na Califórnia, aprendeu a fazer roupa com a mãe e começou a desenhar figurinos quando ainda frequentava o ensino secundário. Depois de se mudar para Nova Iorque em 1933, construiu rapidamente uma carreira de sucesso e tornou-se designer-chefe da Adler & Adler em 1937.

Em 1942, mudou-se para Hollywood e desenhou figurinos para mais de 60 filmes da 20th Century Fox. Quando regressou a Nova Iorque, em 1949, lançou a sua própria linha de roupa e acessórios. O seu objetivo era criar roupa elegante mas prática, adequada à vida agitada das mulheres modernas. Criou de tudo, desde casacos e impermeáveis a malhas e lingerie.

Um dos seus trabalhos mais importantes começou em 1953, quando se tornou designer-chefe da Sills & Company. Aí, ajudou a tornar a roupa de pele elegante e ficou conhecida por misturar diferentes tecidos e texturas de formas criativas. Muitas vezes inspirava-se em objetos do quotidiano e introduziu detalhes únicos, como fechos de pressão, fechos, atilhos e molas, em vez dos tradicionais botões e fechos de correr. Foi também uma das primeiras designers a promover o uso de várias camadas de roupa e concentrava-se em tornar os seus modelos confortáveis e fáceis de usar.

Em 1962, Cashin começou a desenhar malas para a Coach. Ajudou a criar o estilo distinto da marca com malas de pele coloridas, acessórios a condizer e ferragens chamativas. Permaneceu na Coach até 1974.

Ao longo da sua extensa carreira, Cashin trabalhou com muitas empresas de moda e chegou mesmo a criar o seu próprio negócio de malhas, chamado The Knittery. Continuou a desenhar até se reformar, em 1985. O seu talento e inovação valeram-lhe cinco prémios Coty e um lugar no Coty Hall of Fame, em 1972. Hoje, é recordada por criar moda elegante, prática e concebida para a vida real.

Oleg Cassini 

A carreira de Oleg Cassini na moda estendeu-se por mais de seis décadas, transformando-o de figurinista de estúdio de Hollywood em arquiteto do «visual Camelot» e pioneiro do licenciamento moderno de moda. O seu trabalho definiu a estética da realeza americana e alterou permanentemente a forma como os designers rentabilizam as suas marcas. Durante a era de Hollywood das décadas de 1940 e 1950, Cassini iniciou a sua carreira americana no cinema ao assinar contratos com a Paramount Pictures e a 20th Century Fox, onde criou guarda-roupas sensuais e sofisticados para grandes estrelas, incluindo Rita Hayworth, Marilyn Monroe e Grace Kelly. Os seus designs cinematográficos centravam-se numa alfaiataria apurada e em silhuetas sensuais que realçavam a persona de uma estrela no ecrã, em vez de a sobreporem.

A sua carreira atingiu um auge histórico durante os anos de Camelot, quando Jacqueline Kennedy nomeou Cassini seu «Secretário de Estilo» exclusivo em 1961. Criou mais de 300 conjuntos para a Primeira-Dama, utilizando linhas geométricas, botões grandes, saias em linha A e casacos de corte direito. Esta colaboração transferiu o centro do mundo da moda de Paris para Washington D.C., criando uma elegância minimalista e jovem copiada por milhões de mulheres em todo o mundo. Entre as suas peças mais icónicas encontravam-se o casaco de gola suíço-mandarim usado na tomada de posse de 1961 e os seus famosos vestidos justos de formas geométricas.

À medida que a sua influência crescia durante as décadas de 1960, 1970 e 1980, Cassini tornou-se uma força importante no vestuário masculino e um verdadeiro pioneiro do licenciamento moderno de marcas. Popularizou o casaco Nehru sem colarinho no vestuário masculino ocidental no final da década de 1960, transformando-o num breve fenómeno cultural. Também impulsionou a «Revolução do Pavão», quebrando a monotonia do vestuário masculino empresarial tradicional ao introduzir cores profundas, lapelas largas e texturas arrojadas nas camisas e nos fatos de homem. Reconhecendo o poder das marcas destinadas ao mercado de massas, Cassini associou o seu nome a centenas de produtos, desde perfumes e óculos de sol até malas de viagem e mesmo interiores de automóveis, como o AMC Matador Cassini Edition, um modelo de negócio que abriu caminho às modernas marcas de estilo de vida de designers.

Hussein Chalayan

É mais conhecido por integrar conceitos intelectuais e elementos artísticos nos seus designs e desfiles. Apresentava frequentemente designs que limitavam os movimentos do corpo — como o seu vestido-casulo, uma criação sem mangas que prendia os braços de quem o vestia junto aos lados do corpo, mas incluía aberturas para libertar as mãos.

Coco Chanel

Os seus designs elegantemente descontraídos inspiraram as mulheres da moda a abandonar as peças complicadas e desconfortáveis — como anáguas e espartilhos — que eram predominantes no vestuário do século XIX. Entre as suas inovações, hoje clássicas, contam-se o fato Chanel, a carteira acolchoada, a bijuteria e o “vestido preto básico”. Um design de fato influenciado por Chanel é apresentado aqui.

Liz Claiborne 

Raymond Clark

André Courrèges

Courrèges construiu uma reputação no mundo da moda parisiense da década de 1960 com estilos futuristas orientados para a juventude. A sua coleção apresentava calças proporcionadas e de bom corte, peças de vestuário rigidamente estruturadas com linhas suaves em “trapézio”, ou trapezoidais, e saias curtas, acompanhadas por botas brancas de cano médio e grandes óculos escuros como acessórios. O branco tornou-se a sua imagem de marca.

Oscar de la Renta 

Aliou o luxo europeu à descontração americana e ajudou a definir os padrões de elegância no vestir entre membros da alta sociedade, primeiras-damas dos EUA e celebridades das passadeiras vermelhas, ao longo de uma carreira de cerca de 50 anos. Ganhou notoriedade pela primeira vez no final da década de 1960 e início da década de 1970 com as suas coleções de inspiração cigana e russa, que sugeriam a sofisticação cosmopolita que caracterizaria a sua produção criativa nas décadas seguintes. Estas coleções eram sempre distintamente modernas, mas possuíam também uma qualidade romântica e feminina, refletindo a sua formação tanto no sportswear americano como na alta-costura europeia.

Hubert de Givenchy

É conhecido pelos seus designs de alta-costura e prêt-à-porter, especialmente os que criou para a atriz Audrey Hepburn. A primeira coleção de Givenchy, com peças separadas impecavelmente detalhadas, casacos de grande estilo e elegantes vestidos de baile, obteve reconhecimento internacional imediato. Os seus designs utilizavam acessórios imaginativos, estampados de seda e tecidos bordados. A sua “blusa Bettina,” assim chamada em homenagem a uma modelo popular, reintroduziu as camisas de alfaiataria na alta-costura.

Christian Dior

Dior apresentou o revolucionário New Look, suscitando controvérsia internacional devido à sua bainha radicalmente mais comprida. O visual apresentava ombros estreitos, uma cintura marcada e uma saia volumosa — uma mudança drástica em relação ao visual da Segunda Guerra Mundial, com ombros almofadados e saias curtas.

Em 1947, apoiado pelo empresário francês Marcel Boussac, Dior apresentou o revolucionário New Look, suscitando controvérsia internacional devido à sua bainha radicalmente mais comprida. O visual apresentava ombros estreitos, uma cintura marcada e uma saia volumosa — uma mudança drástica em relação ao visual da Segunda Guerra Mundial, com ombros almofadados e saias curtas.

Também em 1947, Dior expandiu a sua marca. Abriu uma casa de moda de pronto-a-vestir de luxo em Nova Iorque. Explorou novas oportunidades e lançou o perfume Dior Parfum. O primeiro perfume chamava-se Miss Dior, em homenagem a Catherine, sua irmã. Tal como acontece com todas as marcas de sucesso, Dior rapidamente licenciou o seu nome para uma gama de acessórios de luxo: gravatas, peles, meias e malas. No mundo competitivo da alta-costura, isto poderia ser visto como uma redução da exclusividade da marca, embora tenha tido o efeito de divulgar rapidamente o nome Dior por todo o mundo.

À sensação imediata do New Look seguiram-se 10 anos de sucesso extraordinário. Na década de 1950, Dior introduziu uma variedade de novas silhuetas, incluindo as linhas H, A e Y. Dior foi fundamental para comercializar a moda parisiense em todo o mundo e para recuperar, para os costureiros parisienses, o terreno que tinha sido temporariamente perdido para os designers americanos. 

Para mais informações

Fiamma di San Giuliano Ferragamo

Gianfranco Ferré

Mariano Fortuny

O designer de moda mais conhecido pelos seus designs de vestidos e têxteis. Os designs de vestidos de Fortuny, muitos deles inspirados em peças de vestuário da Grécia Antiga, como a túnica e o peplo, tornaram-se extremamente populares entre os mais abastados. Os vestidos de seda que desenhou eram talvez mais notáveis pelas suas cores subtis e pela liberdade de movimentos que permitiam. Alguns destes vestidos eram simples na execução, enquanto outros, de design semelhante, tinham centenas de pequenas pregas que iam do pescoço até aos pés. Fortuny inspirou-se, para os seus muitos designs têxteis em algodão e veludo, numa série de fontes internacionais; estes caracterizam-se por cores ricas e sensuais.

John Galliano

conhecido pelas suas coleções de pronto-a-vestir e alta-costura para casas de moda como a Christian Dior, a Givenchy e a Maison Margiela. Galliano apresentou a sua primeira coleção de alta-costura, com sumptuosos vestidos de baile amplos, vestidos com laços e fatos cintados e, em 1995, pela terceira vez e pelo segundo ano consecutivo, foi nomeado Designer Britânico do Ano.

Jean Paul Gaultier

Gaultier celebrava a androginia, combinava estilos de rua com alta-costura e justapunha outros símbolos culturais aparentemente contraditórios. Ao longo da sua carreira, procurou não só redefinir categorias sociais, mas também chamar a atenção para o papel que a moda desempenhava tanto na distinção como na ocultação dessas categorias. Gaultier destacava-se particularmente pela consistência do seu estilo. Inicialmente, privilegiava cores escuras, sobretudo vermelho, castanho, azul-marinho, roxo-escuro e preto; mais tarde, tornou a sua paleta mais clara, acrescentando salmão, bronze, bege e turquesa. Entre os elementos típicos das suas coleções encontravam-se casacos de ombros largos, meias com texturas ou padrões, gabardinas de todos os tipos, calças largas, saias fluidas e as camisolas de marinheiro às riscas horizontais que se tornaram a imagem de marca do seu estilo.

Rudi Gernreich 

Designer de moda vanguardista norte-americano, nascido na Áustria, dos anos 1960. Gernreich interessou-se pelo desenvolvimento de vestuário contemporâneo e não restritivo para mulheres. Os seus designs inovadores pretendiam ser uma alternativa aos estilos conservadores das casas de moda parisienses então dominantes. Em 1964, criou um fato de banho em topless («monokini») que lhe valeu notoriedade mundial. O visual unissexo, a roupa interior invisível, os tops transparentes, as minissaias, os fatos de malha e as meias de cores vivas eram as suas marcas distintivas.

Nicolas Ghesquière

Ghesquière aumentou o número de coleções da Balenciaga e continuou a criar designs inovadores, amplamente aclamados, como saias curtas de estilo gladiador e vestidos-toga, sandálias de gladiador até ao joelho, tops curtos justos, calças de cintura subida, vestidos com folhos de flamenco e uma coleção inspirada nalguns dos designs originais da Balenciaga. Foi elogiado pela coleção, na qual utilizou tecidos tão ricos como pele de crocodilo, lã de Shetland cardada e pele de toupeira estampada nas suas saias curtas em linha A, casacos estruturados, calças de cintura subida e camisolas curtas. A sua silhueta característica era uma linha A ligeira, inspirada em designs dos anos 1970 e do início dos anos 1980.

Frida Giannini

Giannini começou a trabalhar em 1997 na Fendi, de maior dimensão, onde rapidamente ascendeu a designer de artigos de pele. Foi responsável pela Baguette da Fendi, uma carteira opulenta que ajudou a desencadear uma lucrativa febre pelos acessórios. Em 2002, foi contratada como diretora de design de carteiras da Gucci. Na Gucci, Giannini assumiu mais responsabilidades, desempenhando as funções de diretora criativa de acessórios a partir de 2004 e de pronto-a-vestir e acessórios para mulheres de 2005 até ser nomeada diretora criativa de toda a empresa em 2006.

Rogan Gregory 

Gregory é conhecido pelas suas linhas de vestuário social e ambientalmente conscientes. É talvez mais conhecido por ter sido diretor criativo (2005–07) da Edun. Posteriormente, produziu de forma independente uma marca de jeans de corte apurado com o seu próprio nome, lançada em 2001 e muito bem-sucedida, bem como uma linha de sweatshirts produzida pelas marcas de moda de Los Angeles Juicy Couture e American Apparel.

Riitta Narhi Immonen

Marc Jacobs 

O estilista americano é conhecido pelas suas interpretações sartoriais das tendências da cultura popular, talvez sobretudo pela sua coleção «grunge», à qual foi atribuído o mérito de lançar o visual grunge dos anos 1990. Inspirada pela cena musical grunge emergente, a coleção apresentava combinações pouco convencionais — como vestidos femininos com estampados florais conjugados com botas de combate — para alcançar um visual desalinhado e individualista. Os designs eram apresentados por modelos muito magras, incluindo Kate Moss — a antítese das modelos glamorosas e curvilíneas então em voga. Jacobs foi batizado de «guru do grunge» pela Women’s Wear Daily e nomeado Designer de Vestuário para Mulheres do Ano pelo CFDA (1992), em grande parte devido à coleção monumental que lançou o visual grunge dos anos 1990.

Donna Karan 

É internacionalmente reconhecida pela simplicidade e pelo conforto das suas roupas. Depois de a linha de difusão DKNY ter sido lançada em 1988, a empresa de Karan diversificou-se e passou a vender jeans, vestuário masculino e uma linha infantil, além de acessórios, meias e perfumes. Karan recebeu excelentes críticas pelas suas peças combináveis, em tecidos suaves e cores neutras. Destacou-se especialmente pelos seus bodysuits de assinatura, collants escuros, saias envelope tipo sarongue, casacos cintados e peças pesadas de joalharia.

Rei Kawakubo

O estilista de moda japonês autodidata conhecido pelos seus designs de vestuário vanguardistas e pela sua marca de alta-costura, Comme des Garçons (CDG), fundada em 1969. A visão iconoclasta de Kawakubo fez dela uma das estilistas mais influentes do final do século XX. As suas roupas eram concebidas para a mulher independente, que não se vestia para seduzir nem para obter a aprovação de um homem. Kawakubo rejeitava as definições ocidentais de sensualidade, centradas em revelar e expor o corpo. Considerava as roupas reveladoras decididamente pouco sensuais e aborrecidas.

Calvin Klein 

O estilista de moda americano conhecido pela sua linha de vestuário para Mulheres, vestuário masculino, jeans, cosméticos e perfumes, roupa de cama e banho, e outras coleções. Descreveu a sua filosofia de design como a criação de «roupas simples, confortáveis mas elegantes — sem nada excessivamente amplo ou extremo». As suas roupas eram relativamente caras, clássicas, elegantes e fáceis de usar, e encontraram eco entre os compradores nos Estados Unidos e noutros países. Dizia-se que as suas conquistas representavam não só o triunfo da sua particular abordagem clássica ao estilo, mas também a maturação da indústria da moda americana.

Ralph Lauren 

Designer de moda americano que, ao desenvolver a sua marca em torno da imagem de um estilo de vida americano de elite, construiu um dos impérios da moda mais bem-sucedidos do mundo. Desde o início da sua marca, as criações de Lauren caracterizavam-se por um estilo endinheirado que evocava o visual da aristocracia inglesa, adaptado pela elite desportiva da Costa Leste americana. A sua primeira linha de moda masculina, em 1968, incluía fatos clássicos de tweed, e a sua primeira linha de moda feminina, em 1971, prosseguia as suas explorações da alfaiataria clássica e do bom gosto, mas com um toque feminino. Em 1972, Lauren apresentou aquela que viria a tornar-se a sua peça de assinatura: a samisa desportiva de malha, disponível numa variedade de cores e com o seu emblema distintivo do mais aristocrático dos atletas, o jogador de polo.

Helmut Lang

Ted Lapidus

Christian Louboutin

Designer de moda francês mais conhecido pelos seus sapatos de luxo, identificáveis pelas suas brilhantes solas vermelhas.

Stella McCartney

Designer de moda britânica conhecida sobretudo pelo vestuário sem peles e sem couro, bem como pela sua clientela repleta de celebridades. A sua primeira coleção, com saias de combinação rendadas e camisolas interiores delicadas, silenciou os críticos, e as suas propostas românticas de Paris de 2001 — calças de seda combinadas com tops que deixavam o abdómen a descoberto, jeans justos usados com túnicas ou casacos, e casacos de pele sintética e coletes adornados com joias — consolidaram a sua reputação profissional.

Alexander McQueen

Designer britânico conhecido pelas suas roupas revolucionárias, desfiles chocantes e alfaiataria precisa. Os seus designs audaciosos despertaram atenção pelas suas qualidades sombriamente românticas e pelos elementos violentos e grotescos. As coleções incluíam fatos elegantes e angulares; vestidos de silhueta ampulheta esculpidos com espartilhos apertados; vestidos longos com componentes tão variados como bordados com missangas, flores frescas e hastes de veado; e, mais tarde, volumosos saltos de 10 polegadas «Alien» e «Armadillo». 

Issey Miyake

Designer de moda japonês conhecido por combinar elementos orientais e ocidentais no seu trabalho. Teve também uma popular linha de perfumes que incluía L’Eau d’Issey. Em 1993, Miyake criou a Pleats Please, que «permite uma liberdade de movimentos irrestrita, mantendo simultaneamente a forma do tecido», e a A-POC («A Piece of Cloth»), produzida a partir de um único fio com o auxílio de uma máquina industrial de tricotar ou tecer programada por computador. Miyake começara a experimentar a A-POC mais de 10 anos antes, com o especialista em têxteis Dai Fujiwara, antes de a lançar comercialmente em 1999. Insistindo que a A-POC era uma peça de conjunto, recusou apor o seu nome nessa coleção. Vendia-a simplesmente como um longo tubo de jersey, cabendo depois ao cliente cortá-lo e dar-lhe forma.

Phoebe Philo

As suas inovações incluíram jeans de cintura subida, vestidos baby-doll, sapatos de cunha de madeira e a mala Paddington com cadeado. Influenciada pelos minimalistas dos anos 1990 Helmut Lang e Jil Sander, Philo adotou essa filosofia tanto para o seu estilo pessoal como para a sua linha de moda. Evitava maquilhagem e vestia roupas simples, aparecendo frequentemente com o seu característico blusão de motard e calças.

Stefano Pilati

Na primeira coleção primavera/verão de Pilati, em 2005, este conduziu a nova direção da moda com o seu elegante minivestido YSL com folhos, mocassins de camurça com salto em camadas e saias em forma de sino “tulipa bolha”, que chegavam às coxas. Outros artigos emblemáticos incluíam os seus casacos em forma de cloche, a mala Muse (2005) e a mala Muse Two (2008). Pilati conseguiu manter os designs clássicos e elegantes da YSL, mas também conduziu a marca para uma visão mais moderna.

Zac Posen 

Designer de moda americano, mais conhecido pelos seus glamorosos vestidos de noite e vestidos de cocktail. Ganhou reconhecimento ainda enquanto estudante, quando, em 2000, a supermodelo Naomi Campbell encomendou um dos seus designs. No ano seguinte, um dos seus vestidos — feito inteiramente de tiras finas de couro unidas por fechos de colchete — foi selecionado para ser apresentado na exposição “Curvaceous” (2001–02), no Victoria and Albert Museum, em Londres.

Paul Poiret

Poiret destacou-se particularmente pelos seus estilos neoclássicos e orientalistas, por defender a substituição do espartilho pelo soutien e pela introdução da saia hobble, um modelo justo na parte inferior e de corte vertical que obrigava as mulheres a caminhar com passos curtos. “Libertai o busto”, gabava-se Poiret, “e acorrentei as pernas.”

Miuccia Prada

É conhecida por utilizar designs minimalistas para alcançar um estilo tradicional com uma influência moderna. Uma das suas primeiras ideias consistiu em criar uma linha de malas sem marca, feitas de um tecido então pouco convencional chamado nylon Pocono — um tecido durável e resistente à água, frequentemente utilizado no fabrico de tendas militares. No entanto, a linha, lançada em 1979, não foi imediatamente bem-sucedida.

No ano seguinte, apresentou a sua primeira coleção de pronto-a-vestir, recebida com aclamação da crítica, que incluía parkas feitas de nylon, proporcionando aos clientes durabilidade sem sacrificar o estilo. Os ideais progressistas de Prada refletiam-se frequentemente nos seus designs, que transmitiam um glamour discreto e uma elegância requintada, em forte oposição ao apelo sexual explícito de muitos dos concorrentes da marca, levando a uma reavaliação da feminilidade e desafiando o princípio da indústria de que só o “sexo vende”. Linhas simples e depuradas e cores suaves e básicas combinavam-se com tecidos luxuosos e um corte requintado para criar um visual elegante que favorecia a silhueta, preservando simultaneamente a modéstia. No final de uma década de excessos, a ideia de luxo casual da Prada conquistou o público, e a marca passou rapidamente a ser associada a mulheres trabalhadoras confiantes, intelectuais e abastadas.

Emilio Pucci

Ficou mais conhecida pelas suas calças justas de shantung «Pucci» e, entre as suas criações mais copiadas, pelos vestidos e blusas de jersey de seda com estampados vibrantes. Pucci desenhou roupa interior, malhas, fatos de banho e acessórios. Também fabricou cerâmica e perfume e aventurou-se no design de moda masculina.

Mary Quant

Designer inglesa de vestidos e de moda juvenil, responsável pelo «visual Chelsea» de Inglaterra nos anos 1960 e pela grande popularidade da minissaia e dos «hot pants». Os designs de Quant refletiam uma mudança na moda, passando o estabelecimento a dar lugar à juventude como fonte de inspiração. As suas modas mais conhecidas dos anos 1960 eram semelhantes, no espírito, às roupas usadas por meninas nas aulas de dança — saias curtas plissadas, meias brancas pelo tornozelo e sapatos pretos de verniz com tira no tornozelo. No início dos anos 1970, Quant deixou de fabricar, mas continuou a desenhar roupa, peles, lingerie, roupa de casa e armações de óculos.

Clique nesta ligação fabulosa: A história da moda de Dame Mary Quant

Yves Saint Laurent

O designer de moda francês conhecido por popularizar as calças de mulher para todas as ocasiões. Depois do visual de «menina» e da silhueta em A, introduziu saias mais sofisticadas e compridas e, em 1959, encurtou drasticamente as saias. Em 1960, introduziu o elegante visual beatnik de golas altas e casacos de cabedal preto com orlas de pelo.

Jil Sander

Elsa Schiaparelli

Era famosa pelas suas modas surrealistas dos anos 1930 e pelos seus acessórios espirituosos, como uma carteira em forma de telefone. Os seus designs destacavam-se por combinar excentricidade com simplicidade e um rigor cuidado com cores exuberantes. Em 1947, a nova cor de Schiaparelli, o «rosa-choque», causou sensação no mundo da moda.

Mila Schön

Raf Simons

Esse ano revelou-se significativo para o designer, pois a marca alemã Jil Sander, conhecida pelos seus designs discretos para homens e mulheres, convidou-o para substituir Sander como diretor criativo, apesar de nunca ter desenhado anteriormente roupa de mulher. A sua primeira coleção para a Jil Sander demonstrou respeito pela estética minimalista da marca, combinada com a sua própria elegância subtil.

Pauline Trigère 

Embora os seus designs fossem geralmente conservadores, Trigère foi pioneira na utilização de tecidos de algodão e lã em vestidos de noite e criou novidades como o casaco reversível, o colarinho móvel, o casaco em espiral e o casaco sem mangas.

Gloria Vanderbilt 

Socialite, artista, autora, atriz e designer norte-americana de têxteis e moda, que estava frequentemente sob os holofotes devido à sua vida social e atividade profissional. Vanderbilt também era conhecida pela sua linha de calças de ganga de designer, especialmente popular no final da década de 1970.

John Weitz 

Em 1945, depois de três anos no Exército, Weitz foi trabalhar para o pai na The Weitz Corporation. Trabalhou no departamento de lingerie feminina.

Em 1947, com a ajuda dos pais da sua mulher, proprietários dos grandes armazéns Blauner's, Weitz fundou a empresa John Weitz Juniors, Inc., em Nova Iorque, onde fabricava vestidos e vestuário desportivo feminino. A empresa manteve-se em atividade até 1953. Em 1954, Weitz fundou a John Weitz Designs Inc. Durante este período, Weitz encontrou uma das suas primeiras mentoras em Dorothy Shaver da Lord & Taylor.

Em 1964, Weitz passou da moda feminina para a moda masculina, onde se concentrou em estilos clássicos e na utilização prática e durabilidade do vestuário.

Enquanto designer de moda masculina de renome, Weitz foi um dos primeiros, no final da década de 1960, a licenciar a sua marca; também usava a sua própria imagem na publicidade da marca. A sua empresa chamava-se John Weitz Designs, Inc. Comercializava uma linha ampla e diversificada de produtos e aparecia frequentemente em anúncios que retratavam um estilo de vida glamoroso. Um dos artigos de moda masculina de Weitz que alcançou sucesso e notoriedade, e que era muito popular, eram as meias. John Fairchild, editor do Women's Wear Daily, afirmou que Weitz se tornou um nome conhecido de todos ao licenciar e publicitar com êxito o seu nome em produtos.

Vivienne Westwood

É conhecida pelo seu vestuário provocador. Com o seu parceiro, Malcolm McLaren, alargou a influência do movimento musical punk dos anos 70 à moda. Westwood criou modelos de vestuário baseados nas suas ideias provocadoras. As suas T-shirts personalizadas, rasgadas e estampadas com slogans e gráficos chocantes contra o sistema, bem como as suas calças de bondage — calças pretas com tiras inspiradas no vestuário sadomasoquista — saíam rapidamente da loja londrina de que o casal se tornou proprietário em 1971. A sua boutique — sucessivamente denominada Too Fast to Live, Too Young to Die; Sex; e, por fim, Seditionaries — era uma meca da moda para os jovens.

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Charles Frederick Worth

Foi um designer de moda pioneiro e um dos fundadores da alta-costura parisiense. Foi pioneiro na criação de vestidos para serem copiados em ateliês franceses e distribuídos por todo o mundo. É especialmente conhecido por criar sumptuosos vestidos de crinolina que refletiam a elegância da época e por popularizar a anquinha, que se tornou um elemento padrão da moda feminina ao longo das décadas de 1870 e 1880. As suas peças eram de uma qualidade tão excecional que se tornaram muito procuradas por colecionadores e museus, mantendo esse estatuto até ao início do século XXI.

Jason Wu

Designer de moda nascido em Taiwan, conhecido pelas suas criações sofisticadas e bem executadas. Wu fundou a sua própria marca homónima, que refletia uma estética de design que ele caracterizava como feminina. As socialites de Manhattan, incluindo a editora colaboradora da Vogue, Marina Rust, e a magnata empresarial Ivanka Trump, foram algumas das primeiras admiradoras da sua elegante linha de pronto-a-vestir. Em 2009, Wu chamou a atenção internacional quando a primeira-dama dos EUA, Michelle Obama, usou um dos seus modelos nos bailes que celebraram a tomada de posse do seu marido, o Presidente Barack Obama. Segundo Wu, foram necessárias 100 horas de trabalho para criar o intrincado vestido: uma peça branca de seda chiffon, comprida até ao chão, com flores de organza feitas à mão e cristais Swarovski

Referências:

Encyclopaedia Britannica

https://en.wikipedia.org/wiki/John_Weitz

Dame Mary Quant (1966) por Jack de Nijs para a Anefo, via Wikimedia Commons. Domínio público (CC0).